testi di : Claudio Giumelli, Dino Marangon, Amerigo Restucci, Saverio Simi de Burgis

 Carrara, Caledoscopio, 2009

 La pubblicazione prende in esame oltre cinquanta anni di produzione e insegnamento della scultura all’Accademia di Belle Arti di Venezia dove si sono avvicendati per l’appunto, Martini, Viani e Tramontin. Il volume sarà presentato il 22 gennaio alle ore 17 nella Sala del Piovego di Palazzo Ducale a Venezia.

The book takes in exam more than 50 years of production and theaching of sculpture at the Venice Academy. The volume will be presented on the 22 th January (5 p.m.) in the Sala del Piovego in Palazzo Ducale in Venice.

Dopo un’introduzione di G. Celant Barbara Ferriani e Marina Pugliese firmano una riflessione quanto mai attuale sulla conservazione delle installazioni contemporanee, di cui molte sono state realizzate nel secolo scorso senza particolari cautele per loro conservazione. In particolare Pugliese traccia una possibile genealogia di questa particolare espressione artistica mentre Ferriani si concentra sulla questione degli allestimenti e della manutenzione degli stessi. Il saggio si avvale anche della collaborazione di altri studiosi che si concentrano sui singoli casi di M. Barney, A. Brodsky, A. Kiefer, R. Stinglel, F. West e B. Viola.

After an introduction by G. Celant, Barbara Ferriani and Marina Pugliese sing a reflection on the question of the conservation of the art installations, which could be created in the past century without any cautions on maintenance. The essay ends with some specific speeches on M. Barney, A. Brodsky, A. Kiefer, R. Stinglel, F. West and B. Viola.

Il catalogo – bilingue – della bella mostra su Paolo Cavinato al Museo d’Arte Moderna e Contemporanea di Gazzoldo degli Ippoliti ha il pregio di ripercorrere le tappe creative dell’artista mantovano (1975) affiancandole a un’intervista rilasciata a Paola Artoni: ragione per cui la pubblicazione mantiene inalterato il proprio valore anche ad esposizione terminata.
PA: [...] vorrei ripercorrere insieme le tappe di queste architetture  dell’immaginario. Mi piace pensare che ci sia un legame con la ricorrenza del tema dei muri, incrostati e stratificati, soggetto dei tuoi primi scatti fotografici e poi ricreati nelle tue stanze…
PC. Ho iniziato da un’importante crisi che ho maturato sulla pittura . [...] Questo è stato motivo d’inizio di un percorso che mi ha portato a rompere la tela, nel vero senso del termine…
Per maggiori informazioni sull’artista: www.paolocavinato.net

The catalogue of the elegant exhibition on Paolo Cavinato at the Museo d’Arte Moderna e Contemporanea in Gazzoldo degli Ippoliti has the merit to analyze all the creative steps of the artist (Mantua, 1975) beside an interview realized by Paola Artoni: this the reason because the volume has always a great value also after the end of the exhibition.
PA: [...] I’d like to think that there’s a link here with the recurrent themes of encrusted and layered walls, the subject of your first photographs later recreated in your room installations…
PC: I began from a deep crisis I had in painting. [...] This was the starting point for a journey  that eventually brought me to break with canvas – literally – to throw it away, and start my experiments with life spaces…
For further information on the artist,  www.paolocavinato.net

catalogo della mostra a cura di A. Del Puppo, Silvana Editoriale, Cinisello Balsamo (Milano), 2005

Il centenario della nascita dello scultore pordenonese Ado Furlan (1905-1971) è stata l’occasione per un’esposizione in tre sedi e un convegno che hanno presentato l’opera contestualizzandola sia a livello regionale che nazionale e offrendo così l’opportunità di un’approfondita riflessione a più ampio raggio.
Fin dall’apertura del saggio introduttivo Alessandro Del Puppo avvisa che, «Uno sguardo sulla produzione scultorea in Friuli Venezia Giulia nella prima metà del Novecento deve, innanzitutto, accantonare complessi d’inferiorità e lamenti su “periferie”, isolamenti e ritardi». Un proposito mantenuto nello svolgimento del testo che presenta in ordine cronologico l’intreccio di committenza, mostre, accademie straniere, solida formazione artigianale e storia che ha portato il Friuli Venezia Giulia ad affrancarsi dall’Ottocento offrendo al Novecento artisti quali Alfonso Canciani, Marcello Mascherini, Afro e Mirko Basaldella. Il sottotitolo, Figure del Novecento, è la declamazione di un intento: analizzare l’ambito specifico della ricerca che esamina prevalentemente i primi cinque decenni del secolo fatti da una scultura fedele alla tradizione figurativa.
Il saggio è anche un’intelligente riflessione sulle esposizioni locali – le Biennali friulane tenute nel 1926 e nel 1928 e le numerose mostre legate al Sindacato Fascista di Belle Arti che – come del resto il loro primo modello, la Biennale di Venezia – relegano la scultura in una posizione ancillare, sia da un punto di vista della scelta dei pezzi che più banalmente dalla mancanza di un adeguato spazio espositivo. Il saggio illustra perfettamente come una libera interpretazione del ritorno all’ordine novecentesco si declinasse per gli scultori friulani – ma non solo, direi – in una ripresa di modelli antichi – dall’Ermafrodito del Louvre e della Galleria Borghese al Canova, scultore dell’italianità neoclassica -  che sottende il recupero della scultura di questi anni e il suo graduale incanalarsi nella retorica di regime, abbinata a una crescente magniloquenza linguistica, portata spesso sino all’ipertrofia nella decorazione architettonica come nei monumenti tout court.
Il saggio cambia registro quando però arriva agli anni trenta animati da Mascherini, Dino e Mirko Basaldella che offrono «i primi segni di un rinnovamento nella coscienza stessa dell’essere scultori». Sono nomi che permettono confronti di più profondo respiro: Dino è a Roma già dal 1934 e qui è a stretto contatto con Arturo Martini lo scultore a cui Lionello Venturi ha dedicato un articolo sul “L’arte” del 1930 e che nel 1931 vince la Quadriennale. Non è possibile infatti prescindere la carriera dello scultore trevigiano con le soluzioni dei due fratelli Basaldella che, come nota il curatore, ebbero sempre un dialogo talmente serrato da divenire gli interpreti più liberi e originali del linguaggio martiniano.
Il catalogo è completato da schede  – affidate a giovani studiosi che hanno avuto l’opportunità di occuparsi specificamente degli autori dei singoli pezzi -  per altrettante opere da cui emerge un’approfondita ricerca. Sono puntuali alcuni confronti come quello che abbina l’Icaro caduto (Icaro portato dalle onde) di Luigi De Paoli (1894c.) all’Abele morente (1842-1851) di Giovanni Duprè o ancora il ritratto di Oskar Brunner (1925) di Luigi Spazzapan che occhieggia le deformazioni dell’Antigrazioso di Umberto Bocioni (Gnam, Roma, 1912)

Scultura in Friuli Venezia Giulia permette dunque di fare il punto sulle figure che hanno costituito la storia della scultura in Friuli Venezia Giulia nel secolo scorso: l’abbandono – nemmeno troppo repentino – dell’Ottocento con Luigi De Paoli e Alfonso Canciani; le assidue presenze a cantieri monumentali, cimiteriali come solerti a una committenza privata come Aurelio Mistruzzi, Silvio Olivo o Ugo Carrà e alcune figure di recente recupero critico come Ruggero Rovan, Franco Asco, Mario Ceconi di Montececon e naturalmente Ado Furlan. Infine la ricerca si è concentrata sui tre autori di rilievo: Dino e Mirko Basaldella e Marcello Mascherini.
La mostra e catalogo si chiudono con due facce della stessa medaglia: scultori friulani che hanno scelto la provincia come Mario Sartoni con le sue figure femminile alla rincorsa di Libero Andreotti o Franco Brunetta che rifiuta il linguaggio arcaista proposto da Martini e preferisce il tono intimistico anche nella scelta dei soggetti o Darmo Brusini, assidua presenza alle mostre sindacali regionali, che opta per una idealizzazione dei propri soggetti. Dall’altra i fratelli Basaldella e Marcello Mascherini, capaci di un dialogo internazionale. Ne è la prova il Totem di Mirko (di collezione privata romana del 1956) che dopo l’apice neocubista delle Fosse Ardeatine (1950-1951) medita su forme graficamente serrate, spinte verso l’arabesco e l’oreficeria. Ricerche coeve infatti spingevano H. Moore a elaborare forme organiche negli Upright motivies che datano dal 1954. E la critica premia la scelta di Mirko che vince la Biennale di Scultura di Carrara del 1957 con Motivo ancestrale e presenta steli totemiche della seconda metà degli anni cinquanta alla Biennale del 1960.
Cristina Beltrami

È con piacere che vi segnalo il nuovo volume su Enzo Nenci in cui la lettura della scultura è affidata a quarantotto poeti, nonché ai testi introduttivi di Giuseppe Di Giacomo e Giuseppe Muscardini.

I’ve the pleasure to signal you the new volume on Enzo Nenci in which the comment on the sculpture is committed to 48 poets, as well as to the introductions by Giuseppe Di Giacomo and Giuseppe Muscardini.

Parafrasando Nelson Goodman, “Quando è scultura”: scultura oggi è tutto ciò che non è solo pittura, che non è solo architettura, né paesaggio o oggetto o cosa. Questa la riflessione attorno alla quale hanno ruotato tre giorni di convegno – organizzati dalla scuola di dottorato dello IUAV in collaborazione con l’Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales di Parigi – che ha spaziato da interventi strettamente storico-artistici – F. Castellani su Degas e N. Stringa su Martini –  passando attraverso conversazioni con Antoni Muntadas e Michelangelo Pistoletto, e giungendo a una riflessione sull’essenza della scultura contemporanea, sul monumento e sul suo porsi nei confronti dell’architettura.

Quoting Nelson Goldman “When is sculpture”: today sculpture is everything that is not just painting, that’s not only architecture, or landscape, object or thing. This the basic reflection of a three days symposium – organized by the IUAV phd school and the Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales in Paris – that has thought on the historical matter – F. Castellani on Degas and N. Stringa on Martini – , till some speech by Antoni Muntadas and Michelangelo Pistoletto on the essence of the contemporary sculpture.

Da anni ormai il cimitero di Bologna rappresenta un modello in quanto a restauri, schedatura e studio dei singoli monumenti: ultima prova dell’illuminata gestione della Certosa è il volume dedicato alle tombe dei caduti della Grande Guerra. Introdotto da Mauro Felicori, e con singoli saggi che entrano nel merito della questione artistico-monumentale, Memorie della Grande Guerra aggiunge una pagina rilevante alla storia della scultura italiana del ’900.

From years the Bologna cemetery is  a model for restoration and studies on its monuments and the volume dedicated to the most important tombs of the Fallen soldiers in the Certosa is only the last proof of this illuminated work. The book, introduced by Mauro Felicori, offers specific essays on the art-historical matter, becoming an important page on the Italian XX century history of sculpture.

a cura di Massimo De Sebbata
Umberto Allemandi, Torino, 2008

Segnalo la presentazione del volume Marcello Mascherini – Lettere 1930-1982 (mercoledì 1 ottobre, ore 18, Trieste, Museo Revoltella) che raccoglie oltre cinquant’anni di corrispondenza dello scultore triestino.

Sono stati presentati ieri sera gli atti del convegno Alberto Viani e il suo tempo, un omaggio al grande scultore mantovano d’origine ma veneziano d’elezione che nella stessa accademia – non proprio nella stessa sede! – fu prima assistente di Arturo Martini e infine docente. Viani (1906-1989) è raccontato, in occasione del centenario della nascita, da ex allievi e collaboratori, come Elio Armano e da storici dell’altre che ne hanno preso in esame singoli episodi della carriera: il rapporto con Fontana – col quale condivise il successo della Biennale del 1966 e un padiglione comune allestito da Carlo Scarpa – da Enrico Crispolti; la corrispondenza con Umbro Apollonio è squadernata da Sileno Salvagnini. Il rapporto tra scultura e fotografia è messo in luce da Nico Stringa, il legame con lo storico laboratorio di Nicoli a Carrara da Claudio Giumelli e l’affondo sul negozio Olivetti in Piazza San Marco – oggi completamente travisato – da Renzo Zorzi. I contributi sono tanti – troppi per un post! – e la memoria va a quando la Bagnante dominava Canal Grande dal grande Palazzo dell’ASAC.

The meeting acts of  Alberto Viani e il suo tempo (Alberto Viani in his time) have been presented yesterday evening in the Venice Academy. It has been an homage to the sculptor, born in Quistello (Mantova) but established in Venice, in the same Academy – but not the same building! – in which he has been first the Arturo Martini’s assistant and then docent. Viani (1906-1989) has told, in the occasion of the centenary of his birth, by ex-pupils as Elio Armano, and by art historians as Enrico Crispolti who has compared Viani and Fontana: they shared the same Scarpa’s pavilion at the Biennale in 1966. The mail between the sculptor and Umbro Apollonio has been analyzed by Sileno Salvagnini. The relation between sculpture and photograph has been pondered by Nico Stringa, and the connection with Nicoli’s laboratory in Carrara has been parsed by Claudio Giumelli. Renzo Zorzi has spoken about the Olivetti shop in San Marco place, that’s today completed upset! The contributions are too many for a post… and the memory goes to the Viani’s Bagnante when it was on the Gran Canal, just outside the ASAC palace.

15 dicembre 2007

ore 20.30, Brez (Valle di Non)

progetto grafico: Raffaella Wegher, Cles
apparato iconografico: Associazione “La congiombla”, Brez
stampato: novembre 2007,  fotolito Alcione, Lavis

La monografia su Stefano Zuech nasce dalla passione dell’autrice per la scultura e dalla lungimiranza dell’amministrazione di Brez che ha creduto e finanziato la ricerca e la pubblicazione del volume. La ricerca dei materiali si è svolta principalmente nelle biblioteche e negli archivi trentini a cui si aggiungono quelli viennesi, legati agli anni della sua formazione. Fonte fondamentale si è rivelato anche l’Archivio del ’900 del Mart, nonché quello della Biennale di Venezia, della Pomotrice di Torino e naturalmente quello della famiglia Zuech. L’incrocio dei dati ha permesso di ricostruire in buona parte il catalogo dell’opera dello scultore noneso documentata attraverso foto storiche e scatti recenti dell’associazione fotografica “La congiombla” di Brez, responsabile dell’apparato iconografico del volume.
Stefano Zuech nasce a Brez (Valle di Non) il 5 novembre 1877, si forma prima presso la Scuola Professionale di Trento e dal 1907, dopo un selettivo esame d’ammissione, passa all’Accademia di Arti Figurative di Vienna. Nel 1911 vince il prestigioso “Premio Roma” che gli consente di trascorrere alcuni anni nella capitale e confrontarsi con la lezione della classicità che riemerge nella produzione dello scultore. Una volta rientrato in patria (1919) Zuech diviene una presenza costante degli eventi espositivi nazionali: dalla Biennale di Venezia, alle Promotrici di Torino, nonché a numerose mostre trentine.
Il suo nome è indissolubilmente legato alla Campana dei Caduti di Rovereto; egli è infatti l’autore del fregio di Maria Dolens che già nel novembre tra il 1924 e il 1925 gli valse il plauso dell’intera stampa nazionale. Egli è inoltre l’autore del bellissimo monumento a Giuseppe Grazioli a Lavis (1912), del San Cristoforo del Palazzo delle Poste, del busto di Giovanni Battista Lampi svelato a Romeno nel 1925, del monumento ad Eusebio Chini (1930) in Piazza Dante nonché del busto di Luigi Negrelli alla stazione ferroviaria (1930-1936).
Lo scultore scompare a Trento l’8 settembre 1968.

The book on Stefano Zuech summarizes the author passion for sculpture and the foresight of the Brez Administration that has believed and funded the project. The research has taken place in the archives and libraries in Trentino, then the archives in Vienna where Zuech has formed himself. An important point of research has been also the Archivio del ‘900 of the Mart, and the ASAC in Venice, too. The crossing of the different datas has allowed to discover a consistent part of the Zuech’s catalogue: each pieces has been documented with historical imagines and also by some modern ones by the photographic society “La congiombla” in Brez.  

A corollario del post precedente vorrei segnalare il catalogo dell’ultima retrospettiva dedicata a Nenci per la cura di Luciano Caramel (18 ottobre – 9 novembre 2003).

As a corollary of the previous post I’d like to signal the last retrospective catalogue dedicated to Nenci and curated by Luciano Caramel (18 October – 9 November 2003)

autore: Cristina Beltrami
fotografo: Stefano Ghesini
progetto grafico: Cheste Studio (Peppe Clemente)
editore: Filippi, Venezia, 2005
prezzo di copertina: € 17

Un’isola di marmi è un prodotto editoriale del tutto singolare e innovativo: ha il formato e la “freschezza” di una guida e contemporaneamente possiede lo spessore scientifico di due anni di ricerca. Dalle curiosità e gli aneddoti – come la cronaca degli scivoloni sul ponte votivo ghiacciato o le scampagnate a mangiar pesce fritto all’ombra dei cipressi – la guida presenta anche 113 schede scientifiche di altrettanti monumenti conservati a San Michele.
Non esisteva ad oggi uno studio sulla scultura del cimitero veneziano; l’ultima pubblicazione che vagamente ha affrontato il tema sono i due volumi di Vittorino Meneghin (San Michele in isola) del 1962.
San Michele è un vero museo di scultura veneziana a cielo aperto, conserva opere dei maggiori scultori attivi in città tra la metà dell’Ottocento e il Novecento: Umberto Bellotto, Girolamo Bortotti, Emilio Marsili, Annibale De Lotto, Angelo Franco, Francesco Scarpabolla… Una lobby veneziana che raramente concede spazio ai “foresti” come Leonardo Bistolfi o Enrico Butti…
I 113 monumenti sono stati selezionati in base al valore storico-artistico. La ricerca, svolta negli archivi veneziani, sulla stampa coeva e sulla bibliografia esistente, ha permesso di scoprire opere inedite – una settantina circa -, di precisarne datazione e paternità.
Ogni scheda è pensata nella duplicità d’utilizzo del prodotto: fornisce immediatamente i dati tecnici dell’opera ma offre al contempo una scheda critica approfondita. Ogni singolo monumento è calato nel contesto in cui è stato prodotto, in confronto con l’iter dell’artista, con altre soluzioni scultoree – sia del cimitero veneziano, che di quelli italiani – e con l’importante vetrina della Biennale cittadina.
Fanno eccezione le tombe dedicate alle grandi personalità sepolte a San Michele per le quali la scheda riporta la biografia anche perché spesso il loro valore artistico è di minor rilievo.

La guida è anche una prima forma di schedatura delle lapidi presenti a San Michele, punto di partenza per ogni intervento conservativo e di tutela.

Non da ultimo, Un’isola di marmi rappresenta anche un’originale alternativa ai consueti itinerari turistici della città. Recentemente San Michele è entrata a far parte dell’ASCE, l’associazione internazionale che rappresenta i più preziosi cimiteri europei, motivo in più per sostenerne lo studio, la promozione e la conservazione.

ITALIAN STATUARY FROM THE SECOND HALF OF THE 19th CENTURY TO THE FIRST
TWENTY YEARS OF THE 20th CENTURY IN MONTEVIDEO

The research examines the incredibly large quantity of Italian sculpture in the capital city of Uruguay. The two temporal terms define two precise chronological moments: from the second half of the 19th century in fact, a group of Italian painters first, and sculptors in a second moment, settle in Montevideo. The Twenties bring cultural change for Uruguay, due to a direct kwnoledge of European models. During this period, Montevideo knew monumental and architectonic decoration strictly connected to Italian skilled workers. Some of them were sculptors searching for more fortune on the other side of the world, others were mediators from the Italian art-laboratories, thus importing a great quantity of cemeterial sculptures. They have also imported  masterpieces of 19th century Italian art, such as the “Minatore” by Enrico Butti, the “Olocausto” and the “Monumento al Lavoro” by Leonardo Bistolfi and a bust of Giuseppe Garibaldi by Vincenzo Vela. Since the 1910′s Uruguay was also involved in international competitions. Two of these competitions were won by Italian artists: General Artigas’ monument by Angelo Zanelli and the Palazzo Legislativo, that was completed by Gaetano Moretti, who taught at the University of Montevideo during this period. I’ve compared the Italian items with the Uruguayan ones taken from the available bibliography and from the newspapers of that period. I’ve also researched the Montevideo archives, so that I was able to understand the social and cultural reasons that brought two generations of artists to work in South America and, above all, to account for the constant demand for Italian works of art. I was able to outline the main processes of this demand and in some cases I had to completely reconstruct the lives and careers of these artists. The research is in the form of a scientific catalogue with a lot of unpublished news and photos which documents the vast patrimony kept in Montevideo. It has been also important to acquire a view of the mutual influence on local painting, literature and culture in general. So at the end of my research, I can conclude that in Montevideo there are approximately 150 pieces of Italian sculpture which are proof of the “cultural relationship” that has affected the history of Uruguay for almost 30 years.